Hasta tarde con Imogen Wilson

Jun 21, 2023

El artista Jean-Pierre Villafañe creció en Puerto Rico y almacenó recuerdos de los vibrantes vecindarios de su infancia como combustible para sus proyectos futuros. Descubrió una ferviente pasión por la arquitectura, analizando las diferentes formas en que las formas y las líneas pueden dar forma a la experiencia. A medida que expandió y creció en su oficio, comenzó a utilizar la pintura como medio para diseccionar aún más su propia realidad y, en algunos casos, para crear una realidad que es completamente diferente a la suya, una forma de escapismo.

Ahora ocupa el animado y estimulante barrio de Chinatown, donde una mezcla de culturas y perspectivas convergen para vivir en armonía. La ciudad de Nueva York funciona como una bestia grande y coordinada, y Villefane no sólo busca retratar esta máquina bien engrasada en todo su esplendor, sino que también pretende iluminar los acontecimientos menos vistos: las cosas que suceden detrás de puertas cerradas. y entre las grietas.

En su último trabajo, una serie de murales situados en el restaurante de Cecchi en West Village, titulados “Into the Night”, Villafañe explora más a fondo tanto la intersección entre arquitectura y pintura, como la división entre las esferas pública y privada. Lea más sobre el artista multimedia a continuación.

Sus esfuerzos creativos se originaron en el ámbito de la arquitectura. ¿Por qué se propuso aprender sobre arquitectura inicialmente y cómo impacta ahora en sus creaciones visuales?

Mientras crecía en Puerto Rico, tuve la oportunidad de crear numerosos murales, cada uno dedicado a celebrar la identidad visual única de diferentes vecindarios. Participar en estos esfuerzos artísticos dentro del espacio público encendió una fascinación por la arquitectura, ya que me di cuenta de la cautivadora interacción entre la forma en que las personas se mueven a través de los espacios y el arte del diseño espacial. He entrelazado la pintura con mi formación arquitectónica, desplegando instrumentos de representación clásicos utilizados para concebir y comunicar espacios para distorsionarlos y elevarlos a la fantasía. A través de la pintura, comencé a cuestionar los aspectos escalares y anotativos de la línea trazada, usándola para recomponer la realidad y cuestionar las consecuencias de la comunicación y representación visual.

Mi trabajo busca atravesar la intersección entre la pintura figurativa y la arquitectura, a partir de las asociaciones idiosincrásicas que encuentro en mi relación dialéctica con la ciudad. Utilizo la mirada del espectador para transformar momentos del entorno urbano en un escenario, dominándolos y domesticándolos en mis pinturas y dioramas escultóricos. Al presentar espacios privados en representaciones de interiores tipo sección, busco darle al espectador un vistazo al desempeño diario de la vida, tanto deliberado como subliminal, revelando escenas selladas de autorrealización y restableciendo la ciudad como un lugar íntimo. Espectáculo de deseos cumplidos y celebrados.

Ha estudiado en la ciudad de Nueva York, Hong Kong y Brasil, y su trabajo se ha exhibido en todo el mundo. ¿Cómo ha influido este punto de vista multicultural en su trabajo?

Las composiciones que creo ofrecen una lente cautivadora a través de la cual analizo el profundo viaje de conectarse con una ciudad desde una perspectiva externa, viéndola como un tapiz de experiencias y cultura creada artificialmente. Durante mi año en Hong Kong, profundicé en el arte de la caligrafía. En Brasil tuve la oportunidad de visitar muchos proyectos diseñados por el arquitecto Roberto Burle Marx. Los espacios ofrecieron una fusión armoniosa de disciplinas artísticas, incluyendo pintura, arquitectura, urbanismo y bordado. Esta amalgama ecléctica siempre me había fascinado y había dejado una marca indeleble en mi sensibilidad artística. Ahora, en el bullicioso abrazo de la ciudad de Nueva York, mi mirada se encuentra fascinada por la densidad de la ciudad y los fascinantes microcosmos que se despliegan en cada rincón de Manhattan. Cada bloque parece encapsular un universo distinto dentro de sí mismo, y me siento atraído por exaltar con reverencia el caótico tejido urbano y las diversas fantasías arquitectónicas que se desarrollan en esta vibrante metrópolis.

Aunque sueles pintar al óleo, muchas de tus piezas incluyen múltiples medios, desde grafito hasta serigrafía y pasteles. ¿Por qué eliges trabajar en medios multifacéticos? ¿Cómo fortalece el mensaje detrás de tus obras?

La raíz de mi trabajo radica en la integración de múltiples capas de significado, cada una de las cuales representa de manera única matices y representaciones distintos de una gran cantidad de personajes que he encontrado. Estas ideas se materializan a través de delicados trazos de pasteles, amplificando el atractivo del maquillaje, hasta el uso versátil del grafito, donde las líneas y las sombras evocan recuerdos de mi experiencia arquitectónica, y además empleando serigrafía para infundir una dimensión fotorrealista en mis composiciones. . La trayectoria ha sido de experimentación continua. Recientemente, me aventuré en el ámbito de los dioramas arquitectónicos, similares a los peepshows, una experiencia inmersiva en la que los espectadores miran a través de una mirilla sólo para encontrarse con un mundo de espejos, con sus propios reflejos mirándolos. Este curso dinámico de experimentación dimensional y material me ha proporcionado los medios para profundizar en una obra entretenida de exceso desatado e intimidad caprichosa.

Has expresado antes que tu dependencia de múltiples medios y técnicas se manifiesta como “actos de desviación”. Y muchas de tus pinturas también exploran las partes bulliciosas de la vida. ¿Crees que hay iluminación o liberación al desviarse de lo que se espera de vez en cuando?

El concepto de escapismo es un tema que me fascina profundamente. A través de mis composiciones, los límites de lo tangible e intangible se difuminan, lo que me permite tejer narrativas en un retrato vívido y satírico de la sociedad. Muestro varios aspectos de la naturaleza humana. Las pinturas juegan con el humor, las observaciones sobre las relaciones humanas y las normas sociales con el objetivo de buscar respiro y consuelo ante realidades desconcertantes, particularmente a través de la búsqueda de diversión y encanto. Esta inclinación se manifiesta a través de la búsqueda de entretenimiento y la participación en reinos de fantasía, donde la mente puede desprenderse brevemente de las cargas de los aspectos más duros de la vida.

A través de trazos gestuales, tejo y fragmento microcosmos intrincados dentro del abrazo de un entorno artificial, ofreciendo un portal a reinos alternativos donde coexisten lo caprichoso, lo oscuro, lo grotesco y lo cómico. Como espectadores de mi trabajo, somos transportados a un universo de metamorfosis perpetua, una reunión salvaje que sólo nos atrevemos a imaginar. Ante nuestros ojos se desarrollan enigmáticos escenarios, adornados con figuras carnavalescas que entran y salen del primer plano, inmersas en una danza cautivadora en medio de un fondo de libertinaje sin fin. Estas ingeniosas representaciones evocan recuerdos de festividades de la era de la Prohibición y fastuosas veladas, llenándonos de una exuberante sensación de alegría, alegría y espontaneidad.

Te conocí cuando visité tu estudio en Chinatown. ¿De qué manera su ubicación actual en Nueva York, especialmente su vecindario específico, influye en su trabajo y sus temas?

Ubicado en una esquina distinta, mi estudio mira hacia la sección final del Parque Sarah D. Roosevelt, donde se desarrolla una mezcla de actividades a lo largo del día. Desde jugadores hasta bailarines con elegantes coreografías y entusiastas del deporte. Junto a todo, una parada de autobús sirve como portal y lleva a la gente a varios rincones aleatorios de Estados Unidos. El vecindario realmente personifica un crisol dentro de la ya diversa ciudad, actuando como una puerta de entrada que conecta el Lower East Side con el enigmático corazón de Chinatown. Estos personajes cautivadores que observo aparecen a menudo en mis pinturas, y sus identidades contrastantes encuentran su camino en las colecciones de mis composiciones artísticas.

Todas tus figuras adquieren una forma caprichosa y animada. ¿Por qué eliges presentar todos los personajes que pintas de esta manera fantástica? ¿Qué transmite esto sobre las personas y los “personajes” con los que te encuentras en la vida real?

Mediante el uso de ritmos llamativos y técnicas de improvisación, que considero actos de desviación tanto artísticos como conceptuales, transformo el cuerpo humano en un escenario. Mis pinceladas se convierten en líneas líricas y sensuales, y figuras densas de color luminoso sirven como elementos lingüísticos, impactando a los sujetos corporales tanto física como emocionalmente. Al adoptar estas propiedades carnavalescas, busco reimaginar identidades, rompiendo roles y remodelando los mundos internos de los personajes. En mi obra de arte, la vida cotidiana en Nueva York se convierte en un espectáculo teatral, que logra un delicado equilibrio entre alegría y tristeza, lo grotesco entrelazado con el humor. Se adentra en reinos fantásticos con marionetas y muñecos que simbolizan nuestras identidades siempre fluctuantes y cambiantes para reconfigurar la forma en que los cuerpos se entrelazan y se mueven a través de los espacios.

¿Cuál fue el punto inicial que te intrigó y te llevó a querer explorar el tabú, lo invisible o lo tácito en tus representaciones?

En las calles de ciudades como Nueva York se despliega un tejido de muchas personalidades diferentes, donde la gente trabaja incansablemente, anhelando un respiro de las incesantes exigencias de sus vidas. Esta búsqueda de escape a menudo conduce a actos ocultos de libertinaje y vicio, donde la entrega a actividades como la bebida o el uso de drogas se convierte en una forma de hacer frente a las presiones de la realidad. Habiendo crecido en una educación católica, siempre me ha divertido lo absurdo de la sumisión ciega a las normas y lo establecido. En cambio, busco divertirme en lo poco convencional y descubrir los placeres satíricos que se encuentran en lo más profundo de los límites de los sistemas tradicionales, como la religión, la política y las convenciones sociales.

Muchas de las figuras y espacios que creas son increíblemente detallados, hasta los accesorios o atuendos que se representan. ¿Cómo juega la moda un papel en tu obra de arte? ¿Las prendas que visten algunas de tus figuras transmiten ciertos mensajes sobre el trabajo en sí?

La moda retratada en mi arte se convierte en una representación vívida del encanto y la extravagancia a la que los personajes anhelan escapar, trascendiendo su mundo de exceso y exuberancia. Las telas drapeadas adquieren formas arquitectónicas, mientras que los tacones de aguja crean interacciones animadas y realistas. Estas prendas sirven como un medio para que los cuerpos se entrelacen, mezclando visiones arquitectónicas con la esencia poética de encuentros casuales. A veces, un solo traje puede albergar múltiples cuerpos, y los culottes dan lugar a múltiples figuras, todo ello en medio de patrones y gráficos que distorsionan las percepciones de articulación y movimiento. Al mismo tiempo, los sombreros otorgan a los personajes estatura, glamour y atractivo, evocando nociones de profesiones específicas. La intención es crear una escena dentro de una escena, cautivando la mirada del espectador a medida que desentraña gradualmente las complejidades contenidas en la obra de arte, revelando las complejidades ocultas que ejemplifican aún más el concepto de escapismo.

Cuéntame un poco más sobre tu reciente proyecto con el nuevo restaurante, Cecchi's, en West Village, titulado "Into the Night". ¿Por qué decidiste utilizar los Siete Pecados Capitales como inspiración?

Para este proyecto en particular, me pareció convincente explorar la noción de culpa católica, inspirándome en el concepto cristiano de los siete pecados capitales. La idea de los murales de Cecchi giró en torno a la interpretación de estos pecados en el siglo XVI, inicialmente pintados por Hieronymus Bosch y reinventados en el contexto de un restaurante. La disposición circular de El Bosco representaba estos pecados en escenas cotidianas, sirviendo como recordatorio de que podían ocultarse en aspectos aparentemente mundanos de nuestras vidas. Adoptando esta representación, los murales se transformaron en un jardín de delicias terrenales bajo el toque artístico del chef. La lujuria, la glotonería, la avaricia, la envidia, el orgullo, la pereza y la ira cobraron vida, cada una personificada y navegando a través de escenas individuales de libertinaje e intimidad. Los marcos de los murales invitan a los espectadores a una experiencia voyeurista, como si se miraran en un espejo pintado que revela la indulgencia hacia los placeres pecaminosos.

¿Cómo espera que sus murales hagan sentir a los clientes cuando cenan en el nuevo lugar?

Los murales exudan una sensación de irreverencia y exuberancia, actuando como espejos cautivadores que nos invitan a cuestionar la mirada ilícita y fetichista que puede surgir cuando contemplamos sus lienzos. Al contemplar estas obras de arte, nos encontramos con el reflejo del restaurante mismo, lo que provoca la contemplación de la interacción entre distancia e intimidad. Se hace evidente cómo la presencia o ausencia de un espectador da forma al contenido, revelando nuestros roles como participantes voluntariosos e intrusos en este mundo intrigante.

Al emplear la mirada del voyeur, se ofrece a los espectadores la oportunidad de transformar el enigmático restaurante en un fascinante escenario teatral. En este proceso, pueden domar y domesticar el espacio dentro del lienzo y, como resultado, convertirse en testigos de las actuaciones diarias de la vida. Dentro de mis escenas, el encanto del pecado cobra vida, invitándonos a sumergirnos en el drama excéntrico de este vívido reino.